朱德群 趙無極 吳冠中

趙無極

 　1921年生於北京，童年在故鄉江蘇南通讀書，並學習繪畫。1935年進入杭州藝術專科學校，師從林風眠。1948年，在父親的支援下，趙無極與夫人謝景蘭一起前往巴黎繼續深造，開始了一條全新的藝術探索之路。在隨後的幾年內，他在歐美各國寫生、遊歷，隨著知名度的上升，在各國多次舉辦展覽，與眾多藝術家交友。他將西方現代繪畫形式和油畫的色彩技巧，與中國傳統文化意蘊相結合，創造了色彩變幻、筆觸有力、富有韻律感和光感的新的繪畫空間，被稱為“西方現代抒情抽象派的代表”。

　趙無極為法蘭西畫廊終身畫家、巴黎國立裝飾藝術高等學校教授，獲法國騎士勳章，曾在世界各地舉辦160余次個人畫展。他同美籍華人建築師貝聿銘、作曲家周文中一起被譽為海外華人的“藝術三寶”。

　他畢生以獨特視角觀察思考，用心靈與畫面共呼吸，他曾經說：“我不怕老去，也不怕死亡，只要我還能拿畫筆、涂顏料，我就一無所懼，我只希望能有足夠的時間完成手上的畫，要比上一幅更大膽、更自由。”

 

吳冠中

1919年出生，2010年去世，中國現代畫家。吳冠中在50～70年代，致力於油畫風景創作，並進行油畫民族化的探索。他力圖把歐洲油畫描繪自然的直觀生動性、油畫色彩的豐富細膩性與中國傳統藝術精神、審美理想融合到一起。他擅長表現江南水鄉景色，如初春的新綠、薄薄的霧靄、水邊村舍、黑瓦白牆，和諧、清新的色調，寧靜、淡美的境界，使畫面產生一種抒情詩般的感染力。

　吳冠中出生於江蘇宜興的一個小鄉村，對家鄉的眷戀使他創作了大量水鄉系列的油畫和水墨畫。但從九十年代後創作的許多作品來看，吳冠中試圖表達對家鄉的濃濃情意在不知不覺中已經被華麗的“形式美”所取代。吳冠中在創作水鄉系列油畫時所說的這段話：“小橋流水人家之所以誘人，乃由於其結構之完美：小橋——大弧線，流水——長長的細曲線，人家— —黑與白的塊面，這樣，塊面、弧線與曲線的搭配組合，構成了多變的畫面”(見《吳冠中畫作誕生記——水鄉行》)，也印證了這一點。在這些作品中，與其說語言形式表達了吳冠中的情思，不如說吳冠中豐富的情思已經悄悄地被程式化的西方現代繪畫語言形式所遮蔽。作品在輪廓化的整體敘述中丟失了客觀物象的精彩細節，在繪畫本體語言普遍規律的理性描述中喪失了對物像個別特色的感性把握。在隨性的線條、美化的色彩和格式化的點、線、面構成的激情演說中失去了精彩細節和個別特色的老宅、石橋、荷塘、魚池、溝壑、山巒……都難免被罩上一層概念化的審美陰影。

 　吳冠中對藝術的兢兢業業和孜孜以求是有目共睹的，其風雨無阻常年堅持外出寫生的執著行為和直指官方美術機構或主流美術勢力的批判性言論，都體現出了一個真正藝術家的偉大人格和光輝形象。即便如此，對於吳冠中的繪畫作品和藝術思想同樣應當客觀理性地進行認真研究，並作出中肯的評價，而不應該簡單地作出恭維式的結論，更不應該盲目地進行崇拜。

朱德群

　1920年生於杭州，1941年畢業於杭州藝專，後留校任助教，及後受聘於南京中央大學至1949年。其後前往台北任教於師大美術系，於1955年起赴法國巴黎深造。自1958年於巴黎舉行個展後，享譽日隆，他的〈景昭畫像〉獲頒發法國春季沙龍銀獎。1950年代末，開始展覽和開闢抽象表現風格的作品，自此奠定了他的藝術地位。1964年，獲邀於美國匹茲堡卡內基美術博物館出展「國際藝術展覽」；1987年，於台北國立美術館及國立歷史博物館舉辦回顧展。1997年，再獲法國國家級頭銜，並榮膺法蘭西學院藝術院士；2001年，再獲得Chevalier de l’Order des Palmes Acdemiques 及 Chevalier de la Legion d’ Honneur頒發的獎項，為其一生藝術成就的最高峰。朱德群的作品深受抽象派畫家尼古拉．德．斯塔的影響，在藝術承傳的過程中，朱氏又能自闢蹊徑，逐步確立了他那深具詩意和充滿想象空間的抽象表現手法。

亞洲雙年展

今年的雙年展主題以「返常」作為核心概念，由國美館策展人黃舒屏進行研究策劃工作，旨在回歸日常生活，探討亞洲藝術關注生活議題的創作趨勢。在過去十年間，亞洲和全球之間的互動劇烈，全球效應造成了亞洲境內的各種轉變，而亞洲快速變化的模式也深刻影響著全球的經濟體系、生活型態和文化趨勢，這意味著隨著這個動態的交互影響下，種種的文化根源和主體性已透過流動中的每日生活發生轉變，並逐漸產生新的脈絡和發展。動態的生活成為當代文化生產和創造的現場，「日復一日的常性」開始受到全面重新檢視。「返常」的展覽主軸除了呈現近年來亞洲藝術的創作取向，關注在生活中經驗的種種日常狀態，以及回歸日常之物的美學趨勢之外，「返常」的另一個涵義，也希望從生活的根本結構，去檢視與省思那些浮現反常的社會常規與體制，重新找回忠於自我價值和社會關照的生活本質。 

亞洲所面臨的是回應現實的當下處境，「過生活」是常日必須應對的現狀，人們當下最關注的是日常生活，當然也包括與各種無常和反常的共處之道。剖析這幾年來亞洲當代藝術所發展出來的美學風格以及區域裡透過日常實踐及作為而衍生的藝術型態，美學語言回歸生活的面向，著眼於生活中的微型實踐、日常知識、視覺風格、社群關係、周遭的社會轉變型態等。藝術家們透過生活關照和批判實踐而發展出來的創作語言和美學形式，以個人化的風格敘事取代了大歷史結構，觸手可及的日常變成了反映現況和自我狀態的最佳取徑。
日常生活的面貌變得不再平凡亦不再真實，「返常」所反映的正是這樣一個充滿矛盾的日常性，它既要貼近現實仔細體驗現狀的生活，同時卻也必須跳脫常規去審視生活中的非常之處。 

雙年展藉由「返常」的主題，希望從生活的細微狀態，透過感性的經驗和理性的測量，梳理我們今日所面對的混亂無常的日常生活。本屆展覽預計邀集約20個亞洲國家的藝術家參展，他們將分別以不同的創作型態及作品類型，表達他們在這個逐漸奇觀化的社會景觀裡的在場觀點。本次預計邀請來自以色列、日本、印尼、馬來西亞、澳洲、香港、台灣等多組藝術家進行在地製作新計畫，這些作品將分別以多樣性的視角，提出生活的觀照，同時呈現出藝術創作圍繞在各種「日常性」的美學語言和個人性的社會實踐。 

這三張作品是 藝術家　果哈．達胥堤的攝影作品，他來自伊朗
在亞洲地區是一個比較貼近戰爭，了解其中苦難滋味的國家，他選擇用這樣自身經歷過的體驗當作攝影創作的題材，電視上頻頻出現的戰爭畫面和城市中處處可見描繪戰事的壁畫，
新聞媒體也常常在消費戰地攝影，我們也許是隨時活在戰爭的恐懼與陰霾中。慶幸的只是我們身在一個較為民主的國家，目前也沒有戰亂

第一和第二個作品中的男女身處在虛構的戰地，卻是在進行稀鬆的日常行為，

像是看電視，坐在餐桌上聊天等等，表現的卻是戰爭時的情景，還有在之後的各種影響滲透的現今社會的每一層層面。　　

藝術壓讓人在畫面中沒有透露明顯的情感，意圖散發堅定，強韌，求生的氛圍，捕捉生命生活與戰爭之間關係與其時刻，想要看到更多希望！

如此貼近這種生活的作品，用相反情形在作品中呈現，讓人更加衝突強烈的感受。

精緻鳥屋

人類的房屋有各式各樣的造型，而鳥屋卻總是一個單調的樣子，這讓愛鳥的人們想為小鳥做些什麼。

小鳥們喜歡遨翔，在天空展翅飛翔、俯瞰大地，某天選了一處新大陸，開始築起自己的未來之家。

即使愛好自由的鳥兒，當牠們飛累了，總是要歸巢的，有天，牠們也將再度旅行。

Birdbnb創建了”Home To You”的活動，為了表示對這些天空之子的竭誠歡迎，

邀請工匠和藝術家創作了50座微型的鳥屋住宅，而且每一間鳥屋的設計，

全部都依照世界各地現存的真實建築建造的縮小版，不論建築外觀、材質色彩都力求逼真。

這些建築在藝術家的巧手下，被縮小到鳥兒大小的等比例鳥屋。

包括15世紀愛爾蘭的封建城堡、泰國蘇美島的圓頂之家，或是菲律賓當地特有的diwa農舍，

尖銳向天空突出的屋頂和凹陷的屋脊都不同，維妙維肖的造型令人讚嘆藝術家的精湛手藝。

鳥，看世界的角度和人類大不相同，登高臨下，是所有旅人都嚮往的。藉由這個活動，

人類向他們表達盛情款待的溫暖歡迎。

但我想，小鳥們屬於大自然，他們雖然築了我們人們認為沒有設計感，沒有藝術美學的巢，

但那對於他們，是純粹屬於他們的生活，依照自己和為了家人所需求，找來適切的小樹枝，

用他們才會的方式築起他們堅固的巢，我們人類又怎麼能評論為沒有設計，而精緻的這些

鳥屋，依循著對於人類需求建立，對於鳥可不需要斜屋頂，或是怎麼樣開窗開門，如何採光照明，他們甚至看不懂色彩造型，這樣精緻華麗複雜的鳥屋只是一間進去了不知道會發生

什麼事情的地方，某種角度來看，也只是人類為了滿足自身視覺需求的設計而已．

西班牙古城

西班牙古城 用現代家具活化公共空間

位於西班牙加利西亞海岸邊的小鎮裡，一座歷史悠久的古樸小村莊Noia，發起「The Urban Furniture」計畫，

這是一項振興當地經濟、觀光的公共空間改善計劃。

最初Noia是一座漁業、農業村落，但近年來漸漸有較多的經濟活動，包括夏季到此旅遊的遊客日益增多，

也為這個地區帶來顯著收入。由於這個城鎮還保留著中世紀的樣貌，為了不破壞當地特色，

「城中家具計畫」是由一組設計簡單大方的1、2或3人座的3張椅子組成，可以提供一個靈活、有彈性的變化。

這些長椅是由當地專業人士以半手工的方式製作，不僅可以促進經濟發展，也能有效減少生產和物流的環境成本。

此外，包括低調的現代化花盆和垃圾桶也都是計畫的一部分，這些美觀又實用的家具悄悄融入小城景致，

為這座古城帶來更清爽而深具質感的公共空間。

每個城市都有每一個城市的風格意象,但是經營需要市民共同的美感和政府的努力,
相輔相成之下營造出屬於有地方風情又讓人舒適宜人的生活環境,是大家要一起努
力的目標

Artist :Benedetto Bufalino + Designer :Benoit Deseille

超現實城市街景 奇幻電話亭水族館

魚缸和電話亭都是十分常見、再普通不過的東西，但是當這兩者跨界相遇時，擦撞出了令人又驚又喜的火花。

猶如遊走現實與夢境之間，在明亮的城市裡看見比身體還高的水族館，裡頭還是滿滿悠遊自在的鮮豔魚兒，

是一種從未體驗過的奇幻景象，彷彿走在童話故事的街道一般。里昂的這座水族館擁有各式各樣的魚類，

豐盛茂密的水草和美麗的燈光，讓整體看來更像真實的海底世界呢！

這座位於法國里昂的「電話亭魚缸」是由法國藝術家Benedetto Bufalino和照明設計師Benoit Deseille共同發想創作，

他們將原本常見的普通電話亭頑皮地變成一座行動水族館。設計師有感於手機的興起，造成公共電話亭迅速地從世界各地的城市消失，而水族館受限於場地又不是那麼容易親近，兩人靈機一動，決定將逐漸廢棄的電話亭，改造成鮮豔的水族館，

裡頭是許多充滿了異域風情的魚，吸引許多人駐足觀賞和拍照。

像這樣的電話亭水族館分別安裝在法國比亞里茨（Biarritz）、模里西斯的路易港和比利時的根特（Gent）。

「Sol Lewitt」觀念藝術

「Sol Lewitt」觀念藝術

索爾·勒維特（1928年9月9日-2007年4月8日），

美國藝術家，藝術研究包括概念藝術和極簡主義。

60年代末，研究包括素描，版畫等的多種媒介的繪畫。

他自1965年在博物館和畫廊世界各地舉辦數百個展。

他多產立體圖型，從牆畫（超過1200件，包含已經被人工毀壞的）到金字塔的幾何形式的結構。這些作品的範圍包含了不同規模大小的裝置和巨大的​​戶外作品。

他的開放式「模塊化」結構的頻繁使用來源於立方的形式，影響了他首次成為藝術家的想法。

(1)Sol Lewitt的作品提出來的觀念有哪些?(他的意念在哪?為什麼要使用那些色塊或線條?)

他舉出觀念藝術與科技藝術之間的複雜與矛盾：「在觀念藝術中最重要的是有關作品本身觀念的想法…觀念變成一種製造藝術的機器…當代藝術面臨的最大的災難就是要不斷面對新的材料…其危機在，過於強調材料的物理性質以致於取代了作品的想法。」

「許多成功的觀念都是最直接簡單的，因為那看起來就像是必然如此。」（Most ideas that are successful are ludicrously simple. Successful ideas generally have the appearance of simplicity because they seem inevitable.）

勒維特是美國60年代的概念與極簡主義藝術先驅，他主張創作應排除所有複雜元素，回到最基本的表現形式，因此他在創作上僅使用簡單的線條、幾何圖形與色彩，在平面的畫布與牆面上組合出多變的造形與奇幻的空間層次感，看著其畫作中既瘋狂又理性的線條，就像是進行一場視覺的測試，不斷重複的色塊與線條，像有魔力般能將觀者拉進其異境中，絢爛且迷幻，但有時卻又讓人感到眼花繚亂，只好趕緊閉上眼睛免受迷惑。

(2)介紹Sol Lewiit的作品。

《Wall Drawing #879》

1968年以來，Sol LeWitt創作了數以千計的牆畫。從最初單調的垂線、直線構成畫面，到出現連綿不絕、設計精妙、形狀規整的圓、三角形等幾何元素。

總體而言，黑、白二色是Lewitt牆畫概念的核心，即使是在那些色彩最為絢爛的作品中也一樣。黑色和白色真正構築了藝術家的作品：「他早期的作品主要使用鉛筆，後期偏愛石墨。」根據所使用的材料和繪畫技藝的不同，黑白表現出強烈的對比，而各種灰度的微妙變化加強了光影的效果，會讓作品更富生機。

《Wall Drawing #879》，又名《LoopyDoopy》，象徵藝術家實踐的劇烈轉向。它有別於初期系統化和模式化的典型風格，是LeWitt作品中的一個異類。

(3)相較於極簡藝術，Sol Lewitt認為他的作品比較偏向觀念藝術的條件是什麼?

Sol Lewitt認為繪畫、創作是沒有內容的，繪畫即是繪畫，畫布即是畫布，它不需具有任何的意義，觀賞者感受到的是最直接的視覺反應。他曾說：「觀念是創造藝術作品的機器。」他的許多作品都是經由構思後，再經由一連串的說明，由他人代勞而成的。

關於製造，可以自已動手作或委託完成，觀念藝術家勞倫斯 懷恩納（Laurence Weine）於1968年在美國新藝術雜誌上也明確的指出三種（觀念藝術）呈現的方法：一、 藝術家直接實現其作品。二、作品可由他人來實現。三、作品並不一定要實現。

Sol LeWitt很多的作品能被任何人製作，因為只被一堆的文字描述所記載。

當意識到這種個人化視野的獨特性後，他放手將製作的手法交給他人，Sol Lewitt想像的是，做為與牆面的一種嶄新的 「對話 」，每個不同的詮釋者對此的體驗都是不一樣的：「 製圖者開始感覺無聊，隨後，通過這種無意義的活動，開始發現了一種平靜或者痛苦。」在 Mass MoCA, 那些即將因為實現這些畫作而獲得這種體驗的人們（這種體驗因藝術家過世後，而具有了嶄新的重要性），是二十四名與勒維特工作的助手，是來自耶魯，威廉姆斯，馬薩諸塞自由藝術學院以及世界各地的學生和校友們。勒維特革命性的創作所衍生出來的潛能和力量將直接被完成這些牆畫的人們以及來此觀看的人們所領略體驗到。

他認為創作的理念、想法才是最重要的，當一個藝術家使用觀念的藝術形式時，就意味著所有計劃和決定都已事先作出，而後續的執行到完成就成為了例行公事。雖然他的作品在視覺表現上比較接近於極簡主義，但使用現成物、某種發明、裝置等的觀念藝術才更接近他所想要的最直覺性地傳達風格。